Práctica de edición

La Opinión
La fotografía de la portada de La Opinión difiere de la noticia principal referente a política nacional. En ella se ve del partido del fin de semana del Real Murcia y está cedida por la agencia Lof. En la mancheta y la publicidad que le acompaña a pie de página de La Opinión predominan el rojo y el blanco. Donde más fotos hay ubicadas es en la sección de Cultura y las páginas deportivas. Es un periódico que hace un escaso uso de la iconografía, pero, en cambio, la fotografía cobra gran relevancia e intercala imágenes en blanco y negro con otras en color. El medio murciano aglutina imágenes tanto de fotógrafos propios entre los que destacan Gloria Nicolás, Pascual Aguilera, Juan caballero, Manuel Almodovas o Javier Conesa, como de agencias de noticias, especialmente, en la sección de deportes.
En comparación con otros medios de tirada nacional, a penas encontramos publicidad y la que hay, ocupa una hoja entera o va situada generalmente a pie de página o funcionando de filete para separar la información.

La Razón
En este caso la fotografía principal no hace referencia directamente al titular pero sí existe un nexo en cuanto al tema que ocupa: El conflicto con el País Vasco. Las dos primeras páginas abren con la sección de opinión y, como suele ser usual, no encontramos fotografías. Las siguientes son del apartado internacional. Aquí, se abre una subsección llamada Foto-matón, llevada a cabo por el fotógrafo Julián Redondo, donde nos topamos con grandes instantáneas que ocupan todo el ancho de página. A pesar de su carácter marcadamente sugestivo –casi artístico- y suficientemente aclaratorio, sorprende que no vayan acompañadas de un pie de foto. La mayor parte de las fotografías del resto de secciones pertenecen a la agencia Efe.
La publicidad abunda ocupando páginas enteras o bien, un cuarto o media página. A diferencia de La Opinión, salvo alguna excepción, no funciona de separador entre noticias.
La iconografía , principalmente en la sección de economía, juega un papel fundamental a la hora de desgranar la información de manera limpia y ayudar a situar al lector en el contexto de la noticia.
La fotografía de la sección deportiva, como en casi todos los medios españoles, hace gala de gran expresividad aunque queda bastante al margen en comparativa con el trato que hace La Opinión y El País.

El País
La portada, en este caso, va estrechamente ligada a la única foto que aparece en portada referente al caso Urdangarín.
En la primera sección, la sección internacional, encontramos fotos cedidas por agencias que ya habíamos visto en La Razón aunque con distinta nitidez y a distinta escala.
Como curiosidad, decir que a diferencia de los periódicos anteriormente analizados, en los pies de algunas fotos relativas a la actualidad internacional, aparece el nombre del fotógrafo corresponsal.
A lo largo de las distintas secciones reina la armonía visual, la sutileza, la sobriedad y el equilibrio no solo por el excelente diseño de la puesta en página sino también por la calidad de las fotos y la manera en la que están expuestas.
La mayoría de esas fotos expresan el carácter más humano de la noticia de forma, como ya he dicho, especialmente expresiva. El País es un periódico que otorga gran valor al contenido visual.
Como en La Razón, se hace un desmesurado uso de la publicidad aunque de manera más coherente y ordenada.
La sección de deportes nuevamente y, junto con la de cultura, es la más elocuente a nivel visual, aunque no por ello, evidentemente, la más profunda.

Conclusiones
Resulta casi imposible definir el estilo fotográfico de un periódico: Generalizar es complicado cuando en un mismo medio se tocan distintos temas, de distintas forma y con distintos fotógrafos cada día. A pesar de todo, gracias a este análisis, si podemos intuir una línea propia de selección de imágenes, de libro de estilo de fotoperiodismo, de cierta actitud visual característica de cada medio. Podríamos concluir, por ejemplo, en que La Razón hace un notable uso de la imagen a través de grandes panorámicas que ponen el acento en captar el instante que mejor defina la información que expone. La Opinión no subestima la función informativa de la fotografía pues cuenta con un gran abanico y, pese a que no cuenta con el despliegue de medios de los otros dos, encontramos fotos muy sugerentes. El País, de entre los tres, desde mi punto de vista, es el periódico que mejor uso hace de la fotografía ya que cuida al más mínimo detalle absolutamente todo lo referente a la antomía de la escena y al marco tipográfico que no son otra cosa que las palabras que lo rodean. Algunas noticias de este periódico bien podrían contarse o estar basadas en la propia fotografía que las acompaña como mero objeto de contextualización.

El desnudo fotográfico

Todavía hoy, la mayoría de personas no sabe distinguir el desnudo pornográfico y el desnudo artístico. Cuando aparece la enésima famosa en la portada de Playboy, el consumidor, o más bien quien ve las fotos en Internet (porque piensa que Internet se inventó para eso), no las suele contemplar con afán artístico, son tratadas de forma banal. Pero el desnudo puede ser un arte tan legítimo como cualquier otro. De hecho, desde el inicio del arte, el desnudo ha desempeñado un papel muy importante en su evolución. Desde la Prehistoria hasta ahora, el desnudo se ha reflejado en pinturas y esculturas y en algunas de las obras más reconocidas por todos, como las pinturas de Rubens o el David de Miguel Ángel.

El desnudo fotográfico nace prácticamente junto a la propia fotografía en el siglo XIX, ya que su capacidad para fotografiar un cuerpo humano al natural era el deseo de muchos artistas anteriores. Se percibió enseguida que la fotografía era un medio artístico como cualquier otro, que requería algo más que pulsar un botón un esperar. El fotógrafo necesitaba tener unos conocimientos mínimos de técnica para hacer un buen trabajo, capturaba el instante, cosa que no podían hacer los pintores o escultores, pero eso requería un buen manejo de sus habilidades. También es cierto que muchos fotógrafos reconocen la influencia que tuvo sobre ellos cierto artista que retrataba desnudos, por lo que tener un amplio abanico de influencias también es una obligación.

Los fotógrafos nunca quieren hacer fotos banales, pornográficas, por lo que existe el desnudo fotográfico artístico. El objetivo de este tipo de instantánea es capturar la esencia del cuerpo humano que fotografías, con sus virtudes y defectos. Esa fascinación por la belleza del cuerpo humano siempre está presente en nuestra naturaleza, y el trabajo del fotógrafo es mostrarlo tal y como es, poniendo todo su talento en ello. Sin embargo, en el siglo XX el desnudo fotográfico fue relegado a un segundo plano por considerarse inmoral para la puritana sociedad de la época. Suerte que actualmente está plenamente aceptado por casi todos los sectores de la sociedad (seguramente gracias a la cantidad de celebrities que han posado sin ropa delante de una cámara), aunque el desnudo se está explotando mucho en según que sectores del arte de manera totalmente gratuita.

El desnudo fotográfico es síntoma de una sociedad libre. No tiene porque ser inmoral, pocas cosas hay más naturales que un cuerpo humano desnudo. Tampoco podemos permitir que la sexualidad y el erotismo desaparezcan sin más, están dentro de nosotros y no deben esconderse, todos somos humanos. Por desgracia, hay sociedades que siguen castigando este acto con la pena de muerte. No podemos hacer otra cosa que condenar este tipo de medidas medievales e inquisidoras.

"La sombra del iceberg"

La sombra del Iceberg expone las controversias surgidas en torno a una de las fotografías más famosas de la historia tomada en nuestro país durante la Guerra Civil: El miliciano.

El documental propone una investigación que cuestiona la veracidad de la mítica imagen de Robert Capa y transcurre por distintas vías: 

La primera y más importante, referente a la anatomía de la foto; la segunda, establece un concienzudo análisis histórico; y la tercera, consecuencia de esta última, pone en tela de juicio el rigor de las distintas declaraciones y documentos encontrados. Es decir, el análisis del análisis.

El informe del anatómico-forense no deja lugar a dudas: “Estoy convencido moralmente de que se trata de dos hombres distintos”. A pesar de la sombra y el extraño gesto del rostro, si uno mira con detenimiento, encuentra bastante evidentes las diferencias físicas entre el miliciano muerto y Federico Borrell, especialmente en las partes de los labios, dientes y manos. A esto hay que añadir que la posición resulta confusa y antinatural dada la dirección y la potencia de los impactos de bala.

Por si esto fuera poco, gracias a una foto de Federico Borrell tomada en el 37, queda demostrado que ya era “todo un hombre” (en palabras del médico) mientras que el guerrillero retratado de tan singular forma, según el forense, a penas rondaría la edad de veintidós.

Dada la luminosidad de la escena, los investigadores concluyen en que la fotografía fue tomada en torno a las 9 de la mañana y no a las 5 de la tarde como explica la versión oficial. Es más, la foto pudo haberla tomado Gerda Trado, que se encontraba con él en ese mismo instante y compartían cámara.

El miliciano, de Robert Capa

El rigor histórico de la versión oficial se sustenta únicamente en un familiar que, por mera intuición, identifico a Borrell como el miliciano muerto. A través de la prensa de la época, la comparativa de imágenes, toda la documentación encontrada y las contradicciones en las versiones de la agencia Magnum y los biógrafos de Capa, se hace fácil concluir, al menos, en que ese miliciano sigue siendo anónimo y que su pose justo antes de tocar el suelo pudo ser escenificada o retocada de algún modo.

El documental aglutina distintos datos y pruebas sin la intención de desacreditar al ya suficientemente reputado fotógrafo francés, sino, más bien, lo hace desde el respeto y en aras de esclarecer los hechos en torno a una de las fotografías más míticas y representativas de la historia del fotoperiodismo, de España, de la Guerra y, al fin y al cabo, del mundo.

Cartier-Bresson y "El instante decisivo"

El ‘padre del fotorreportaje’, Henri Cartier Bresson, nació en las afueras de París, Francia, el 22 de agosto de 1908. Desde muy joven su interés estuvo en la fotografía, un arte incipiente en ese entonces, y desde siempre tuvo la lucidez de predicar que lo fundamental de una buena toma fotográfica es captar el instante decisivo, justo.

Sus fotografías son uno de los más importantes documentos que existen sobre el siglo XX, logrando captar la cotidianeidad como nadie lo ha hecho. 

Henri Cartier-Bresson

Cartier Bresson y su 35mm en mano lograron imágenes que definen toda una época. La fotografía había llegado a Cartier Bresson luego de que éste hubiera finalizado sus estudios de pintura con André Lhote en Montparnasse. En la fotografía había encontrado la manera de captar sentimientos, realismo, vida e infinidad de cosas más en un preciso instante.

Su vida como fotógrafo se caracterizó por registrar el mundo humano en su contexto. Realizó muchos viajes por el mundo entero realizando fotografía humanista desde que cofundó en 1947 la agencia Magnum Photos junto a Robert Capa, David Seymour y George Rodger.

Con los años se convirtió en el asistente del cineasta Juan Renoir y tuvo la oportunidad de aportar su trabajo también en el 7º Arte. 

La filmografía de Henri Cartier Bresson incluye 3 trabajos:

1937 – ‘Victoire de la vie’ (Victoria de la Vida) - DOCUMENTAL
Trata sobre los hospitales de España Republicana (49 min, Blanco y Negro)

1938 - “L’Espagne Vivra” (España vivirá) - DOCUMENTAL
Trata sobre la guerra civil española y la postguerra (43 min, Blanco y Negro)

1945 - Le Retour (El Retorno)
Trata sobre el retorno de los prisioneros después de la Segunda Guerra Mundial.

En 1970 decide retirarse definitivamente de la fotografía y dedicarse al dibujo. Pero su obra fotográfica pertenece conservada en Montparnasse, Francia, donde es posible visitarla y admirarla en la Fundación Henri Cartier Bresson, que creo en el año 2000 junto a su esposa Martine Frank, también fotógrafa.

Como fotógrafo tuvo le realizó retratos a celebridades tales como Henri Matisse, Edith Piaf, Pablo Picasso, Fidel Castro y Ernesto Guevara.
Además su condición de foto reportero le valió estar presente en diferentes eventos de importancia mundial como la Guerra Civil Española, la 2ª Guerra Mundial, la muerte de Gandhi, la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín, etcétera.

En el año 2003, previo a su muerte, interpretó el documental biográfico de su persona que Heinz Bütler dirigió. Esta película suiza se llamó ‘Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks’ El 2 de agosto de 2004 en Cereste, al suroeste de Francia, “el ojo del siglo XX”, dejó el mundo, pero su mirada a quedado registrada por suerte para el mundo. 

Comentario El instante decisivo. 

En el texto “El instante decisivo” Cartier-Bresson sintetiza sus inicios en el mundo de la fotografía a través del estrecho lazo que forjó entre su ojo y las distintas cámaras a lo largo de sus años.

El reputado fotógrafo francés vincula inexorablemente su estilo fotográfico a las virtudes y las limitaciones técnicas de esas cámaras. Lo hace, como en su fotografía, desde la humildad y el profundo respeto que le inspira su profesión, la de fotoperiodista, a la que entregó su vida y le sirvió de soporte para dar rienda suelta a su creatividad.

Conforme avanza el texto, el lector cada vez se siente más testigo de la entrega y el sacrificio de este apasionado fotógrafo que, sin resultar pretencioso ni esperar nada a cambio, un día estableció como única meta contar historias a través de imágenes.

Todo lo sustentó desde la idea de que este subtipo de arte fotográfico no necesita alterar el estado de cosas para acentuar las sensaciones que por sí solas son capaces de trasmitir un mensaje: “Me inspiraba, sobre todo, el deseo de atrapar en una sola imagen lo esencial que surgía de una escena.” (Cartier-Bresson).

Cartier, trató pues a la percepción como algo indispensable aunque, al fin y al cabo, secundario. Evidentemente, la foto se consigue gracias a una buena composición, al juego de luces, a la armonía visual, etc. Pero lo que realmente habla en las imágenes es la naturalidad de los actores que aparecen en éstas y, como se puede ver en las instantáneas de Cartier-Bresson, él eso lo entendía muy bien.

La experiencia personal de este fotógrafo, expuesta sin pretensiones de ningún tipo, no hace sino más que reivindicar la importancia social del artista destinado a contar la realidad. Además, sirve de inspiración para todo entusiasta amateur de esta destreza que, tan solo a veces consigue ser poética, pero siempre resulta necesaria.

Fuentes: Swingalia | Fotonostra | Fotografía del natural Henri Cartier-Bresson

Stanley Kubrick, el fotógrafo que pudo ser y no fue

Stanley Kubrick es uno de los directores más reconocidos y polémicos de la historia del cine. El autor de obras como 2001: Una Odisea del Espacio, La Naranja Mecánica o El Resplandor, por nombrar algunos de sus films más conocidos, es tan amado como odiado por los millones de cinéfilos alrededor del globo. Desde los que le consideran un maestro adelantado a su tiempo hasta los que le califican como aburrido y demasiado cerebral. Pero en lo que ambos bandos coinciden casi siempre es en la habilidad visual del director neoyorkino. Su estética y puesta en escena en según que películas puede gustar o no, pero no cabe duda de que hasta sus críticos reconocen su talento. He leído incluso comentarios como “fotógrafo reciclado a director de cine”.

Y es que una de las pasiones de Kubrick desde que era un niño, junto al jazz y el ajedrez, era la fotografía, que ejercía como afición desde que sus padres le regalaron una Reflex de la que apenas se separaba. Al dejar la escuela decidió buscar trabajo como fotógrafo, y lo encontró en la revista Look. Esta revista fue coetánea de Life, también centrada en el fotoperiodismo, cuyo primer y último número datan de 1937 y 1972 respectivamente. Allí fue miembro del equipo fotográfico de la revista, y realizó más de trescientos encargos para la publicación, que en su mayoría se conservan en lugares tan emblemáticos como la Librería del Congreso o el Museo de la ciudad de Nueva York. También se publicó un libro con la mayoría de instantáneas titulado Drama and Shadows.

Al cabo de un tiempo, Kubrick decidió dedicarse a la realización cinematográfica, por lo que abandonó su trabajo a tiempo completo en la revista. A pesar de eso, su primer trabajo en cine, Day of the Fight, un documental corto sobre un boxeador, se puede considerar una extensión de uno de sus trabajos en Life, en la que hizo un reportaje fotográfico al mismo púgil. Indudablemente, el peso de la fotografía en su vida influenció mucho a sus películas. Podéis mirar los libros que hay editados sobre su obra y veréis como cada plano está tratado con un mimo especial, con una sensibilidad fotográfica, un encuadre y composición dignas de un maestro de la fotografía.

Para la historia queda la fotografía que tomó el día de la muerte del presidente de Estados Unidos Roosevelt, en 1945, un año antes de trabajar para Look. En ella, se ve a un quiosquero rodeado de portadas de los periódicos del día, que anuncian la muerte del presidente. El hombre mira hacia abajo, con el puño apoyado en una de sus mejillas, con una expresión de tristeza muy profunda. Está desolado, es el perfecto reflejo de un día triste para todos los americanos, un día en el que a ese quiosquero preferiría no estar rodeado por la muerte, ni tampoco venderla y hacer dinero con ella.

La manipulación fotográfica al servicio del totalitarismo

Los totalitarismos europeos no dejaron descuidado ningún campo que les pudiera ser de utilidad durante su periodo de auge. La fotografía era el medio iconográfico de una época en la que, a falta de la televisión, se debía transmitir de alguna manera la personalidad divina de los líderes a los ciudadanos que no podían hacer otra cosa que adorarles. Para reforzar esa divinidad y presencia imponente del dictador, a veces debían valerse de la manipulación de las imágenes. Las imágenes que explicamos aquí son solo tres de las más conocidas manipulaciones con su copia real adjunta que demuestra el engaño:

 

En esta instantánea vemos al fascista italiano Benito Mussolini perfectamente posicionado sobre su caballo, levantando una espada al cielo, en una pose que remite a la iconografía divina, como si de Zeus o Thor se tratara. Pero lo que más llama la atención de esta fotografía es el elemento que aparece en la parte inferior derecha de la composición, un joven sosteniendo las riendas del caballo. Obviamente, los altos mandos fascistas no iban a permitir que el pueblo pensara que su líder necesitaba la ayuda de un muchacho para que el caballo no se moviera durante la fotografía, por lo que fue eliminado posteriormente.

A Stalin se le ha llegado a considerar como el anticristo, posiblemente su reinado fue más terrorífico incluso que el de Hitler, por duración y por como llegó al poder, quitándose de en medio al favorito de su antecesor Lenin mediante medios muy discutibles. También podemos decir que uno de sus hobbies era la manipulación fotográfica. Eliminó casi todo rastro de su rival por el poder Trotsky en las imágenes, pero sin duda la que mejor refleja su personalidad es esta. En la original, vemos a Stalin paseando en primer plano, acompañado por un comisario que se sitúa a su izquierda. Este comisario es eliminado fulminantemente manipulando el negativo. ¿Por qué? Porque este hombre cuestionó las maneras de su líder, por lo que fue asesinado y borrado del mapa visual sin contemplaciones. A sangre fría, como buenos soviéticos que eran.

La foto que sigue a este párrafo, con el paso de los años y la transición democrática en España, se ha convertido en un icono casi cómico que refleja la torpe (por decirlo de algún modo) personalidad y pobre imagen del dictador español Franco. Esta instantánea se produjo en un encuentro entre los dos líderes en Hendaya. Este encuentro estaba destinado para que Franco fuera tomado en cuenta por la comunidad internacional como potencia fascista, en plena posguerra, por lo que el dictador debía brillar. Nada más lejos de la realidad. En la foto original, la de la izquierda, vemos a Franco cabizbajo, con los ojos cerrados y con una prominente papada asomando peligrosamente, además de evidenciar su corta estatura, incluso al lado de Hitler, que tampoco era muy alto. Esto no podía quedar así, de modo que la propaganda de Franco se las ingenió para que Franco apareciera sonriente, con la cabeza bien alta, incluso unos centímetros más alto.

c

H. Guerrera, ganador del Premio Historias

Ghost in the City, una de las fotografías de H. Guerrera

El pasado domingo, El País Semanal  publicó una colección de instantáneas del fotógrafo Héctor Guerra Hernández llamada Entre nubes. En el reportaje se hablaba del método de trabajo del fotógrafo, ganador del Premio Historias del Instituto Cervantes, que forma parte del Concurso Internacional de Fotografía Universo en Español que organiza el suplemento.

En el reportaje, Héctor Guerra habla de su pasión por la arquitectura, y nos explica que, bajo su punto de vista, incluso se puede apreciar mejor lo que el arquitecto quiere expresar con su edificio observándolo desde una buena fotografía que viéndolo en persona. Dado lo estáticos que son los edificios, el fotógrafo realiza fotografías de larga exposición (de entre 400 y 500 segundos), para captar el movimiento de las nubes. En sus propias palabras: “cuanto más se mueve el cielo, más quieto parece algo, realzando los objetos”.

A sus 35 años, el fotógrafo se ha recorrido la geografía española buscando los edificios más emblemáticos e inspiradores: Las Palmas de Gran Canaria, Madrid, Bilbao o Barcelona son algunas de las ciudades cuya arquitectura podemos ver en Entre nubes.

Sin embargo, y aunque ya es tarde para conseguir el ejemplar del domingo de El País Semanal, no lo es para comprarlo los próximos domingos, en los que se mostrarán las colecciones fotográficas de los otros dos premiados del Concurso. El ganador del Premio Retrato Solo Loewe ocupará con sus fotografías las páginas de El País Semanal el próximo día 18 de diciembre, y el día 31, sabremos quién es el ganador del Premio de los Lectores, en lo que sin duda es una loable apuesta del suplemento de El País por la difusión de la fotografía.

Fuente: El País Semanal

Ron Gaella, el paparazzi artístico

“Mi idea de una buena fotografía es que esté enfocada y que muestre a alguien famoso haciendo algo infame, por eso mi fotógrafo favorito es Ron Galella”. Estas son las declaraciones de uno de los artistas más personales y admirados del siglo XX, Andy Warhol. Este estadounidense es el referente principal del arte pop, y si lo pensamos, podríamos llegar a la conclusión de que Ron Galella también hacía arte pop con la fotografía. Retratar a las celebridades de la época se acaba convirtiendo en un ejercicio de cultura pop, que entonces no era una acepción conocida, pero si este pionero ejerciera ahora (todavía vive aunque está retirado), se hablaría de él como fotógrafo pop sin ninguna duda.

Galella fue el pionero en un estilo fotográfico que actualmente está totalmente prostituido, en el que ya no se buscan las buenas fotografías, sino el morbo fácil y la polémica, el de los paparazzi. Trabajó en multitud de revistas y periódicos, en los que realizó una cantidad de fotografías innumerables. Algunos de estos medios fueron Time, Life, Rolling Stone, The New York Times o Vogue. Galella perseguía sin cesar a los famosos, era su pasión. Les fotografiaba a escondidas, o preparando una estrategia con todo su empeño, y alguna vez se llevó algún que otro regalo, como cuando Marlon Brando le golpeó mientras el fotógrafo trataba de captarlo con su cámara, rompiéndole la mandíbula y quitándole unos cuantos dientes. Galella aprendió la lección y la próxima vez que fue a por Brando, lo hizo con un casco reglamentario. Pero a pesar de lazo que le unía con Brando, su obsesión era Jackie Kennedy, mujer del Presidente estadounidense John Kennedy. Tuvo muchas disputas legales con ella por el constante uso de su imagen, que nos regaló algunas de las diapositivas más elegantes y bellas de la que fuera Primera Dama, como la que captó mientras andaba por la calle, mirando a cámara con una leve sonrisa mientras el viento hace balancear su pelo.

Galella ha recibido una cantidad inmensa de homenajes y exhibiciones de su obra, ha publicado varios libros con sus fotografías, y los museos más prestigiosos del mundo, como el Tate Modern o el Moma, se pelean por albergar sus fotos en sus galerías. Este mismo año estuvo en PhotoEspaña, donde hicieron una retrospectiva de su obra. Galella es el pionero de un género fotográfico que podría haber sido y no fue, un género que ya no está interesado en el arte, sino en vender lo máximo posible a cualquier precio. De hecho, reconoce que no le gustaría ejercer hoy el oficio que lo encumbró porque no se hace de manera honesta y los famosos de ahora no son como los de antes, aunque le gustaría fotografiar a unos pocos.

Fuente: El Mundo

La "amenaza" del XQD

Imágen promocional de ACF

Hasta ahora, la tecnología más habitual para almacenar fotos en las cámaras digitales había sido el uso de tarjetas SD. Recordemos que las últimas marcas en adaptarse a este nuevo formato fueron Olympus y Sony (que se aferraban a sus propios formatos de memoria), que se pasaron al SD hace ahora ya un año. Pues bien, ahora que se había popularizado su uso, la hegemonía del formato parece estar en peligro, ya que la Asociación CompacFlash ya ha anunciado la llegada de un nuevo formato de tarjetas de memoria: el XQD, que además pretende instalarse como el modelo estándar, sobre todo, para los fotógrafos profesionales.

Su tamaño (38,5 x 29,8 x 3,8 mm) es similar al de las tarjetas SD, aunque algo mayor (32 x 24 x 2,1 mm). La principal ventaja que ofrecen estas tarjetas con respecto al conocido formato es su velocidad de transferencia*, que estará en torno a los 125 MB/s, mientras que sólo las tarjetas SD más potentes alcanzaban los 100 MB/s. De hecho, las tarjetas XQD tienen un potencial máximo de 625 MB/s. La mejora es indudable en este aspecto. Sus fabricantes también aseguran que el formato de estas tarjetas es más resistente y duradero, y la interfaz utilizará un sistema PCI Express, al que debe su gran velocidad.

A primera vista parecen todo ventajas, pero las quejas no se han hecho esperar. Según parece este sistema se empezará a implantar en próximos modelos (las licencias se conceden a principios del año que viene), aunque todavía no sabemos con qué contundencia. El principal problema es que, con la implantación de este nuevo formato, se pierde la universalidad del SD. La misma tarjeta que podía servir para todas nuestras cámaras ahora puede no ser suficiente, ya que de momento no se ha hablado de que las tarjetas XQD sean compatibles con ranuras SD (y tampoco sabemos si los lectores de tarjetas de cualquier ordenador podrán leerlas).

Fuente: XatakaFoto | Gizmos

*La velocidad de transferencia es la velocidad con la que las fotos se descargan desde la tarjeta al ordenador.

Fotografía ganadora del WPF 2007

El ganador del prestigioso WorldPress Photo 2007 fue el fotoperiodista británico Tim Hetherington, en un reportaje hecho para la revista VanityFair. La fotografía muestra a un joven soldado estadounidense recostado, cubriéndose la mitad del rostro con una mano, mientras agarra su casco con otra, mientras su cara refleja el momento de angustia por el que está pasando. La imagen está tomada en el bunker Restrepo, una base americana situada en el valle Korengal de Afganistán. Este valle es famoso por ser todo un cementerio durante la guerra de Afganistán, donde acontecen los combates más duros entre ambos bandos.

Esta fotografía es un buen preludio para lo que vendría después de manos de Hetherington, ya que recoge la esencia de su documental, codirigido por él junto al periodista Sebastian Junger, titulado Restrepo. En él, se relatan las vidas del pelotón de soldados que viven en esa zona potencialmente peligrosa. En esta fotografía escalofriante, vemos al soldado con una expresión mitad exhausta, mitad perpleja, ambas reforzadas por la mano que le cubre la mitad de su cara. Obviamente, está cansadísimo después de un día completo de combate, pero también tiene esa mirada que parece gritar “¿qué hago yo aquí?”, pregunta que todo soldado se hace en la base de Restrepo. Los detalles técnicos de la fotografía no tienen mucha importancia, la composición no tiene nada reseñable aparte de del buen encuadre y el detalle de la mano y la cabeza en movimiento. Simplemente hay que reseñar la luz de la escena, que hace que el suelo, la tienda y el soldado prácticamente se fundan. Además de ser una luz grisácea muy adecuada para esta instantánea, esos colores sepias transmiten inmediatamente sensación de malestar, incluso de peligro.

Es una imagen crítica como pocas, un ejemplo de cómo criticar una situación sin palabras, situación que por desgracia todavía hoy sigue vigente, puesto que esta guerra totalmente estúpida se está librando todavía, diez años después de su inicio. Ni los soldados, jóvenes que casi no llegan o superan por poco la edad de votar en su país, saben que están haciendo ahí. Ya no están luchando por su patria, por lo único que luchan es por sobrevivir y volver a ver a sus familias algún día. Esta fotografía es todo un hito en la carrera de Hetherington, que tristemente falleció el pasado 20 de abril, a la edad de cuarenta años, mientras cubría la guerra Libia, alcanzado por fuegos de mortero. Siempre nos quedará su trabajo para recordarle.

Nuevo flash Nikon SB-910

La marca Nikon acaba de anunciar la salida al mercado de su nuevo modelo de flash, el SB-910, inmediato sucesor del SB-900, su último modelo hasta ahora en el mercado.

Con una línea de diseño muy parecida a modelos anteriores, las principales innovaciones de este nuevo flash son:

• La mejora de las teclas iluminadas.
• Botón de Menú dedicado con acceso rápido a la configuración personalizada.
• Nuevo sistema de control de temperatura.
• Filtros integrados para hacer coincidir iluminación fluorescente y tungsteno.

Es un flash compatible con el sistema CLS, número guía 34 en iso 100 en FX, wireless TTL, ánulo de rotación horizontal de -180º a +180º y horizontal de 7º a 92º. Ofrece una amplia cobertura y un sistema de reciclado de 2.3 segundos a plena potencia.

Como vemos, las innovaciones del SB-910 no son especialmente significativas, pero se trata de uno de los modelos más eficaces que encontramos ahora mismo en el mercado.

Fuente: Xataka Foto

Apps para fotógrafos

Interfaz de iLightmeter

Apple ha lanzado un par de nuevas aplicaciones bastante útiles para iPhone y iPod Touch en lo que a fotografía se refiere. Como la mayoría de nosotros no puede permitirse un equipo fotográfico profesional, puede resultar bastante interesante echarle un vistazo a iLightmeter y F/8 DoF Calculator.

iLightmeter simula los exposímetros utilizados en fotografía. Con la cámara incorporada en el iPhone, la aplicación mide la cantidad de luz de la escena para y nos muestra la apertura, ISO y velocidad idóneas según las condiciones lumínicas.

F/8 DoF Calculator, por su lado, trabaja con la profundidad de campo. Al seleccionar la cámara y el objetivo que estamos utilizando, ajustándose a dicha combinación, la aplicación nos mostrará la porción de la fotografía que quedará enfocada y la que no.

Aunque no puede compararse al uso de herramientas reales, puede ser un más que decente sustituto a un precio bastante razonable (iLightmeter cuesta 1,59€ y F/8 DoF Calculator 3,99€). Se pueden comprar en la AppStore de iTunes. El único inconveniente es que, evidentemente, hemos de tener un iPhone.

Fuente: AppleSfera

'Life': Historia de una revista que cumple 75 años

Primera portada de Life

Como ya hemos visto en clase, la revista Life es uno de los emblemas de la épocadorada del fotoperiodismo. Es curioso que Pepe Baeza nos hablase en suconferencia de cómo trató de sacar adelante su revista Ojo de pez y fracasó sin hablarnos de esta importante revista, queestuvo dando coletazos hasta su desaparición en 2007.

Con el nuevo año, el 4 de enero de 1883, surgió como una revista cómica y de informacióncompuesta por ilustraciones, pero la cosa cambia (y nos empieza a interesar)cuando, en 1936, Henry Luce, fundador de Time,compra la marca y convierte la revista en una picture magazine semanal. Las ventas de su primer número, el 16 de noviembre de ese año, fueronespectaculares: los 250.000 ejemplares impresos se agotaron en apenas cuatrohoras. Pocas semanas después ya se vendía más de un millón de ejemplaressemanal.

A partir de entonces, Lifeno hizo más que crecer, convirtiéndose en la revista de moda en los años 40, 50y 60. Sus ventas seguramente son el aval del refrán que dice “Una imagen vale más que mil palabras”. Protagonizaronsus portadas, entre otros, el presidente J. F. Kennedy, estrellas de cine, laGuerra de Vietnam, la llegada del hombre a la luna, etc. Pero con los 70, lacada vez más fuerte competencia de la televisión hizo que la tirada de Life se fuese reduciendo hasta que éstadejó de ser rentable y cesó sus publicaciones el 8 de diciembre de 1972.

Sin embargo, la marca seguía contando con mucho prestigio, ypor eso entre 1972 y 1978 la revista Timepublicó diez reportajes especiales Life,utilizando el nombre de la revista como garantía de calidad de las fotos quepresentaban. La buena acogida de estos reportajes hizo que la revista volviese ala vida 1978, esta vez con periodicidad mensual, y durante los 22 añosposteriores gozó de un éxito moderado. No faltaron las críticas a sus polémicosrankings de finales de milenio en 1999 por ser “demasiado occidentales”, y lascada vez mayores dificultades económicas llevó de nuevo al cese de laspublicaciones regulares en marzo de 2000.

Desde entonces y hasta 2004 publicó ediciones puntuales (porejemplo durante los atentados del 11S). Dicho año resurgió de sus cenizas comosuplemento dominical en Estados Unidos, aunque en 2007 dejó de editarse. Detodos modos, Life sigue viva en lared. Su web continúa publicando las fotos más destacadas de la actualidad y hacelebrado este año su 75 con un reportaje especial titulado 75 Best Pictures Ever al que se puedeacceder de manera totalmente gratuita. Desde aquí os animamos a echarle unvistazo.

¿Vosotros compraríais Lifesi se siguiese editando en papel? ¿Creéis que una revista fotográfica sobre actualidades necesaria hoy día, existiendo los medios audiovisuales?

Fuentes: Wikipedia | Haciendo Fotos | Sala de Prensa

El renacer de Polaroid

Durante el trancurso de este cuatrimestre, en la asignatura se nos han presentado varios modelos diferentes de cámaras fotográficas que distan bastante de las compactas o réflex digitales que utilizamos ahora. Una de las empresas más populares en el mundillo era sin duda Polaroid, que se dedicaba a la comercialización de cámaras instantáneas. Sin embargo, en plena era digital, cabría esperar que Polaroid estuviese dando sus últimos coletazos (con unos modelos un tanto extraños promocionados por su actual directora creativa, Lady Gaga). Pues bien, contra todo lo esperado, no es así: desde el pasado 10 de noviembre se encuentra disponible en el mercado la nueva Polaroid Digital Instantánea Z340.

Y, por primera vez en mucho tiempo, parece que la empresa se ha dado cuenta de cuál puede ser un modelo de negocio viable. La nueva cámara de Polaroid combina la nostalgia de la impresión instantánea en Zinc con la tecnología digital, pues aparte de ofrecer la opción de imprimir en el formato clásico de 3x4, guarda los archivos fotográficos en una tarjeta SD para poder trabajar con ellas digitalmente, imprimirlas con mejor calidad, etc. Y, como cámara digital, tampoco es mediocre, ya que su objetivo es de 14.0 megapíxels (aparte de contar con una pantalla lo suficientemente grande, de 2,7").

No es una cámara especialmente profesional. Al fin y al cabo, es una compacta, y por tanto entendemos que las funciones manuales estarán bastante limitadas. El precio, de momento, es de 299 $, y cada paquete de papel ZINK cuesta unos 20 $. Los precios no son desorbitados, por lo que entendemos que la apuesta de Polaroid es firme y que estamos ante un fuerte posicionamiento en el mercado (y no un intento desesperado por no morir). Y por lo menos a mí han conseguido convencerme: ¡quiero una!

Fuente: Web Oficial de Polaroid | Xatakafoto

¿Adiós al Photoshop?

Aunque ya hemos visto en clase que lo que ahora se lleva en materia de retoque fotográfico es Lightroom, la herramienta de manipulación fotográfica más conocida por la población sigue siendo Photoshop. Quizá sea por eso que en Estados Unidos dicho programa está en el punto de mira. Al parecer, la población comenzó el mes pasado una campaña pidiendo lo que se ha denominado Ley de Autoestima.

La idea nace de Seth y Eva Matlins, una pareja que exige que sus hijos puedan crecer libres de superficialidad, sin verse afectados por los cánones irreales de belleza impuestos por la sociedad. Se apoyan en estudios de la compañía Dove Self-Esteem, que señalan que un 80% de las mujeres se sienten inseguras con su imagen por culpa de la que proyectan modelos y estrellas de cine en televisión. También un 71% de las niñas siente que su aspecto “no está a la altura”.

Aunque los argumentos de los padres son comprensibles, la petición no deja de llamar la atención. Prohibir el uso del programa no es de ni lejos la solución, pues, como hemos visto en clase, existen otros programas; además, prohibirlo totalmente, para retoques de iluminación, por ejemplo, me parece un poco exagerado. Supongo que lo más lógico es analizar las fotos individualmente y comprobar si han sufrido un retoque excesivo.

De todas formas, aún hay que ver en qué queda esto, porque los medios están prestando bastante atención a la iniciativa, pero esto no quiere decir, por ahora, que dicha ley vaya a entrar en vigor.

Fuente: La Vanguardia

Rafael Sanz Lobato y la transformación del mundo rural

© Rafael Sanz Lobato

El Premio Nacional de Fotografía, dotado con 30.000 euros, que cada año entrega el Ministerio de Cultura, ha recaído este año sobre el fotógrafo Rafael Sanz Lobato por su obra que, según el Jurado, “constituye un puente entre la nueva vanguardia neorrealista de la posguerra y los métodos de observación fotográfica posteriores al 68. Su tema es la transformación del mundo rural tradicional y las culturas populares, que enlaza con el problema del neorrealismo, pero en una época en que su trabajo se despliega como la memoria de un mundo que desaparece. Su trabajo adopta un método de observación antropológica que tendrá múltiples consecuencias. Asimismo su enfoque documental actualiza el lenguaje fotográfico e influye en el fotoperiodismo contemporáneo”.

La intención del Ministerio de Cultura con este premio no es otra que destacar la figura de Sanz, que fue uno de los fotógrafos de la generación puente, forjada durante el franquismo, en España, y cuyo trabajo ha alcanzado muy poca visibilidad.

El trabajo de Sanz Lobato tiene como temas la transformación del mundo rural y las culturas populares, temas que enlaza con el neorrealismo. A continuación os dejamos algunas de las fotografías, todo un ejemplo de buena fotografía documental:

Fuente: El País | ABC

© Rafael Sanz Lobato 

© Rafael Sanz Lobato 

© Rafael Sanz Lobato

Conferencia de Walter Astrada

Blog Periodismo para Periodistas

La segunda y última conferencia a la que asistimos fue la de Walter Astrada, fotoperiodista argentino que ha sido galardonado con el prestigioso premio World Press en tres ocasiones. Astrada, a pesar de ser conocido por retratar la situación de países o regiones en conflicto, no se considera un fotógrafo de guerra, se considera un fotoperiodista que simplemente quiere dar testimonio de las atrocidades que se comenten en distintas partes del mundo y provocar una reacción en las personas que las ven, reacción que lleve a la acción de presión a los gobiernos o a la ayuda humanitaria.

La conferencia fue planteada por el interlocutor de una manera bastante original. En lugar de preparar unas ideas y desarrollarlas en un discurso, como hizo Pepe Baeza unos días atrás, Astrada optó por mostrar sus distintos proyectos fotográficos y que la audiencia preguntara al final de cada uno de ellos. Así, Walter expuso primero sus fotos de alzamientos y enfrentamientos políticos en lugares como Congo, Madagascar, Kenia o Haití. Las fotografías son crudísimas, muy violentas, un testimonio demoledor de las situaciones de estos distintos países en esos momentos concretos. No faltaron preguntas sobre el morbo en este ámbito fotográfico, el uso de la cámara de Astrada (muy simple pero muy efectivo) y el papel del fotoperiodista y la manera en la que lo desempeña en las zonas de conflicto.

Después de este proyecto centrado en la violencia, Astrada nos presentó su todavía incompleto proyecto sobre la violencia contra la mujer. Explicó que es un proyecto en el que elige un país de cada continente para elaborar un reportaje sobre la violencia contra el sexo femenino, un proyecto interesantísimo del que todavía quedan dos reportajes, el de Europa (el país elegido es Noruega, curiosa elección) y el de Oceanía. Nos mostró los ya realizados en Congo, Guatemala e India, los tres llenos de imágenes impactantes que muestran la realidad de unos lugares en las que las mujeres todavía son tratadas como animales de compañía. Sobre este proyecto, Astrada explicó cuales eran los motivos por los que decidió ir a los países elegidos y como trazaba su hoja de ruta y preparaba su viaje.

No recuerdo si la conferencia fue corta o es que pasó volando, porque creo que todos los que asistimos salimos muy animados a pesar de haber visto barbaridades en la pantalla de ordenador, pensando que con gente como Walter Astrada da gusto hablar, y que el mundo sería mucho mejor si hubiera más personas comprometidas como él, dispuestas a perder la vida con tal de mandar un mensaje a los indiferentes ciudadanos.

Conferencia de Pepe Baeza

Flickr de Juan Simó

La semana del 26 al 30 de Septiembre, los ciudadanos murcianos tuvimos la oportunidad de disfrutar de talleres y conferencias enclavados en las Jornadas de Fotoperiodismo, que se celebraron por sexta vez. Esta edición, organizada por la Asociación de Informadores Gráficos de la Región de Murcia, nos ha permitido tener en la ciudad a figuras tan destacadas dentro del mundo del fotoperiodismo como Pepe Baeza, redactor jefe de fotografía de La Vanguardia, o Walter Astrada, ganador de tres premios Word Press.

La conferencia de la que nos ocupamos en esta entrada es la de Pepe Baeza, que no resultó ser muy académica y técnica, como en principio pensaba, sino que fue muy directa y tocando temas que no solo incumben a los fotoperiodistas, sino a todos los trabajadores del ámbito periodístico. El tema en el que más insistió en su discurso fue el del papel fundamental del fotoperiodista, el de dar testimonio de la realidad, que cada vez parece más prescidible, sobre todo en estos tiempos de crisis en los que las redacciones ahorran en todos los campos posibles. Podría haber sido un mensaje victimista, pero Baeza puso las evidencias sobre la mesa, por ejemplo, al exponer el motivo por el que una revista de fotografía crítica no contaría con casi ningún anunciante.

Después, Baeza hizo un repaso por las principales etapas del fotoperiodismo en la prensa. El valenciano considera que la época dorada de esta profesión se sitúa entre los años cincuenta y sesenta, mientras que el periodo de decadencia desde el cual llegamos a la situación actual empieza en los años ochenta, cuando el mercado fotográfico empieza a cerrarse, a la vez que comienza el auge del ultraconservadurismo impulsado por Reagan. Según Baeza, era necesario desprestigiar la imagen para que los ciudadanos no pensaran en los problemas del mundo, y aquí es donde empezó la separación entre medios y fotoperiodistas, hasta llegar a la situación actual en la que incluso son mal vistos en las redacciones.

También criticó la labor de algunos fotógrafos cuando hacen su trabajo, por lo que enumeró los pasos a seguir por todo buen fotoperiodista para obtener un buen reportaje (documentación, elaboración de plan de trabajo, selección de fotos, etc.). Pepe Baeza se pronunció sobre algunos temas claves de la profesión en la actualidad, como el arte fotográfico, que considera peligroso para el fotoperiodismo, y que calificó como "la fotografía de los ricos". También comentó el papel del periodismo ciudadano en la sociedad actual, que le parece necesario en momentos determinados pero no debe desplazar el verdadero periodismo, el debate sobre el papel o lo digital, o de la posible sustitución de la fotografía por el vídeo. Es muy interesante su última apreciación sobre este tema: "si el vídeo consigue un poder testimonial mayor que el de la fotografía habría que apostar por él".

Por último, después de las preguntas de compañeros de profesión murcianos, el interlocutor nos animó a ejercer la profesión, aunque tenga un futuro bastante incierto. Pero eso es lo bonito de esta profesión, que nadie la hace por dinero o fama, sino por, digámoslo así, amor al arte.

Práctica fotográfica 1 - Diego

Durante esta práctica, los alumnos de la asignatura debíamos hacer una serie de fotos que cumplieran ciertos requisitos técnicos de enfoque, iluminación, velocidad de obturación, etc. Estos son los resultados. No son mis mejores fotos, y he de argumentar en mi defensa que la cámara tenía vida propia y oscurecía o aclaraba bastante las fotografías al cambiar la velocidad de obturación (hasta el punto de verse completamente blancas o negras si ésta era muy alta o muy baja). Esto es lo más potable que he conseguido sacar:

5 fotos idénticas pero con distinto ISO:

5 fotografías idénticas, una correctamente expuesta, dos sobreexpuestas (+1, +2) y dos subexpuestas (-1, -2):

2 fotografías parecidas, una con la máxima produndidad de campo posible y otra con la mínima:

 

3 fotografías que capten el movimiento: 

  

3 fotos que congelen el movimiento:

*A partir de aquí, y debido a problemas técnicos, las fotos no están maquetadas. Disculpad las molestias.

5 fotos con el mismo balance de blancos pero diferentes luces: (Todas las fotos están hechas con un ISO 200)

5 fotos con la misma luz pero diferente balance de blancos:

5 fotografías con diferente ISO y diferentes condiciones lumínicas: